PSI, Las Historias de un Hombre Intervencionista

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Psi es una serie que narra las historias en las que se ve involucrado el psiquiatra, psicoanalista Carlo Antonini (Emilio de Mello), casos que no sólo llegan a su consulta, sino que llegan a su vida de diferentes maneras, porque es la vecina de su edificio, una extraña en una esquina o por la llamada inoportuna de un amigo, pero siempre motivado por su particular gusto por aventuras, y por su interés por las personas, lo que lo puede definir como un hombre siempre intervencionista. Es por ello que las historias trascienden el concepto de consulta y se insertan en la idea de terapia que, con métodos poco convencionales, acercan a Carlo a diferentes casos clínicos que se inspiran en las obras literarias del psiquiatra Contardo Calligaris.

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en ella Contardo Calligaris (frente) y Emilio de Mello (fondo) en el set de la serie Psi.

El protagonista se mueve en un mundo familiar que se compone por su exesposa, de la que se encuentra recién separado, la abogada Flavia (Aida Leiner), y los hijos de ésta; Henrique (Igor Armucho), de 17 años, y Marina (Bianca Vedovato), de 12 años a los cuales Carlo se encuentra muy apegado sentimentalmente.

Su círculo familiar los complementa Mark (Victor Mendes), el único hijo biológico de Carlo, que nació en Francia y vive en Nueva York y su amiga, confidente y colega de profesión, Valentina (Claudia Ohana), mujer a la cual Carlo expone sus inquietudes, con las que discute los casos y con la cual construye gran parte de las posibles conclusiones de los mismos.

 La relación entre Valentina y Carlo tendrá dedicado un capítulo particular por la manera poco convencional en que su relación ha evolucionado, de modo que en un inicio Carlo se convirtió en una especie de tutor para ella, pero en la actualidad de la serie las experiencias que ella tuvo trabajando con Médicos Sin Fronteras en una larga temporada en África, han generado un respeto diferente en el que el maestro ahora busca respuestas en una colega muy respetada y que considera siempre como una guía.

Otros personajes permean la vida cotidiana del protagonista son Severino (Raul Barreto), el enterrador del Cementerio de la Consolación, lugar al que converge Carlo con relativa frecuencia y Roberto (Otavio Martins), investigador de la Policía Civil y amigo de la infancia.

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La serie se encuentra compuesta por capítulos de una hora de duración y autoconcluyentes, pero que guardan como fondo la vida de Carlo y las relaciones con su círculo familiar y social más íntimo, personas con los que comparte gran parte de las reflexiones acerca cuestiones existenciales y morales que derivan de sus casos. Las situaciones a las cuales se ven enfrentado el protagonista ponen de manifiesto la dualidad de la sociedad brasileña, pues las argumentaciones a veces han manifiesto valores progresistas y en otras ocasiones valores muy conservadores, del mismo modo alimenta fantasías sexuales peculiares pero también expresa ideales de vida familiar muy tradicional, pero al final en cada caso se impone la perspectiva de un profesional para quien las patologías más extrañas son tan naturales como la cotidianidad que le rodea.

Psi es una serie para disfrutar, no sólo por su calidad visual sino por su excelente construcción narrativa. Aunque se puede pensar que es otra serie acerca del psiquiatra y sus pacientes, en ésta encontraremos una dinámica cuyo ritmo se encuentra determinando por el entorno, por la reflexión social y como gran parte de éstos elementos influyen en cada hombre y mujer de una sociedad determinada, es una serie que se basa en la observación en la capacidad analítica del protagonista y en la personalidad que éste impone para cambiar las circunstancias de la vida de quienes él adopta como su paciente.

Ésta serie es otra muestra de la muy buena relación que se establece entre la literatura brasileña y sus producciones televisivas.

NINFOMANÍA, Narrativa Crítica De La Sociedad Que Supera la Pornografía

Ninfomanía es la historia del auto reconocimiento de la naturaleza de Joe (Charlotte Gainsbourg), donde se narra el trasegar de una mujer en el mundo hostil en que ha tenido que existir. La forma narrativa es sólo una excusa para que el director danés Lars Von Trier continúe con la exploración de formas audiovisuales, donde utiliza los tabúes y censuras para realizar una crítica en contra de una sociedad que el cineasta presenta como hipócrita en lo que respecta a los temas de la sexualidad. 

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Ninfomanía fue dividida en dos volúmenes lo que revela un elemento temático, de modo que establece dos ritmos diferentes, uno más ligero que el otro. El primero, es el relato de la adicción al sexo de Joe y, de paso, el de su propia vida. Desde el principio, Joe va a subrayar que ella es una mala persona, mientras Seligman (John Skarsgard) va a tratar de matizar las afirmaciones de la narradora y cuya conciliación necesaria entre las dos posiciones no será fácil tarea para el espectador, sino que se acercará más a la interpretación pesimista que le director parece hacer manifiesta.

Éste primer volumen relata los inicios de la vida sexual de Joe (interpretada entonces por Stacy Martin), aquí la narrativa adquiere un tono más cómico que el resto, pero siempre con la intención de presentar los recuerdos en un tono de cómica farsa. Las narrativas de los años juveniles, se llenan con las descripciones de su primer encuentro con Jerome (Shia LaBeouf), el primer trabajo y los recuerdos de su infancia, familia y amigos, travesías en que el sexo se va imponiendo como una necesidad para la protagonista. Pocos tonos amargos opacan esta primera parte, pero se reconoce que éstos son parte integral de la vida de modo que hacen presencia en la remembranza de la muerte del padre de Joe (Christian Slater), o en la irrupción al apartamento de la protagonista por parte de H (Uma Thurman), quien persigue a su marido, enamorado de la ninfómana, hasta llegar al momento en que los sentimientos dejan de existir en la vida de Joe.

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En contraste, el segundo volumen es más amargo, donde hace presencia el reconocimiento de la decadencia que viene con la madurez y la vejez. La insatisfacción llega a la vida de Joe y lo convencional y monótono se hace insoportable, de modo que empieza la búsqueda y exploración por las diversas maneras de despertar los sentimientos olvidados, por lo que paga por los servicios de K (Jaime Bell) para que la someta a prácticas sádicas. Con el tiempo, Joe se va marginando. Rechaza la obligación de asistir a grupos de apoyo para adictos y, finalmente, acepta el trabajo que le sugiere L (Willem Dafoe) como cobradora de chantajes para éste, así el segundo volumen se constituye como una farsa triste y llena de pesimismo.

Aunque los volúmenes comparten elementos, como el contrapunto que ocurre en el diálogo entre Seligman y Joe, donde ella narra mientras Seligman comenta sus aventuras comparándolas con la pesca, la polifonía musical y la historia del cristianismo. Las comparaciones hacen de sus digresiones espacios para convertir la experiencia de un personaje en las evidencias de otros conocimientos, lo que evoca cierto sentido de provocación con la reiteración de imágenes de las narraciones subvirtiendo el uso de la voz en off.

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Ninfomanía es una narración en la que se intenta alejar de lado cualquier moralismo facilista, insertando un humor cruel e incluso macabro, de modo que pretende develar el lugar que ocupa el sexo en la sociedad y en cómo la sociedad reacciona a éste. La sexualidad que muestra Von Trier no procura excitar, sino que es parte constitutiva de los personajes que vemos, de manera que el sexo que aparece es puramente necesario, no se encuentra forzado, ni se debe justificar, puesto que Joe se vuelve adicta y no lo puede dejar y el espectador no debe buscar pasión en él.

Las escenas de sexo que pasan una tras otra no son sino la descripción que hace de ellas un entomólogo, y no un pornógrafo. Al director le interesa mostrar cómo el sexo puede volverse un motor de poder, o una razón para marginar a quien es diferente. Von Trier a través de los comportamientos sexuales que aparecen en la película, busca enfrentar a la sociedad con su propia imagen, que aparece como un conjunto cerrado que no ha sido capaz de comprender la naturaleza de los individuos que viven en ella. 

THE NIGHT OF o de la Descomposición de la Vida Personal

Teniendo como marco a la ciudad de Nueva York, en un contexto post 9/11, se introduce al espectador a la vida  de Al Nashir Kahn, o como él prefiere ser llamado: “Naz”, (Rizwan Ahmed actor y músico británico, que interpretó al ayudante de cámara en la película Nightcrawler); hijo de inmigrantes pakistaníes nacido en los Estados Unidos, con una familia que conserva   las tradiciones de Pakistán y vive rodeada de la comunidad que comparte y fortalece las costumbres familiares . La madre dedicada a las labores domésticas y a la crianza de sus dos hijos, que aunque ya  mayores se encuentran insertos en el núcleo del hogar, que se complementa con un padre conductor y copropietario de un taxi.

La aproximación a la vida cotidiana de “Naz” es fugaz pero diciente, un muchacho que tiene buenas calificaciones y que busca en los estudios universitarios la forma de generar mejores condiciones para su familia; un joven que desempeña labores de tutor en algunas materias para los estudiantes deportistas, lo que refleja un compromiso con la comunidad y responsabilidad individual del personaje.

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Pero todo buen muchacho tiene la curiosidad de disfrutar de la vida, y en particular de la noche. Al ser invitado a una fiesta en el centro de Manhatan, espera ser recogido por un amigo, pero todos sus planes se derrumban al saber que no contará con el transporte para asistir a la fiesta. Éste es el momento de quiebre, las decisiones y circunstancias que a un hombre le pueden cambiar la vida. El momento en que los dilemas hacen presencia y se encuentra la dicotomía de actuar conforme a los elementos racionales o a las pasiones que hacen presencia para determinar la vida de los hombres.  

Naz toma el taxi de su padre sin permiso, decidido a ir a la fiesta. Se extravía y en el camino es abordado por una mujer joven y bonita en mitad de la noche en un lugar desconocido. Esta cadena de eventos establecería un giro radical para sus planes iniciales. Un simple “a la Playa”, marca el destino de una noche que inicia con un posibilidad de romance, de aventura, de enfrentarse a lo desconocido y ser guiado por la belleza y el misterio. Afrontar la noche, conocer sus posibilidades y caminar en el mundo cercano, y alejado al mismo tiempo, de las drogas, son los elementos que marcan el punto de partida de una carrera desesperada por vivir lo hasta ahora no experimentado.

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Jack Stone (John Turturro, ícono de la filmografía de los hermanos Coen y protagonista de Barton Fink) es un abogado que trabaja bajo una simple premisa “gratis hasta que salga libre”, ya que no se enfrenta a grandes retos judiciales, siempre busca la forma fácil para  resolver cada caso involucrándose lo menos posible, sin embargo, al encontrarse en el “lugar correcto” y cruzarse con la mirada de Naz, la mirada de un hombre perdido que se encuentra en condiciones adversas y desconocidas, se involucra. Vuelve a creer en la justicia, a enfrentar un verdadero caso para renovar la confianza en sí mismo y dejar de lado una cotidianidad que se pudre sin expectativas más allá de su destruida vida familiar.

El detective Dennis Box (William “Bill” Camp, Doce Años de Esclavitud) es quien se hace cargo de la investigación. Un policía ad portas de su jubilación que ve en la situación de Naz un caso fácil, una manera de retirarse ejerciendo un gran acto de justicia, una forma de sacar de las calles a un asesino por última vez en su carrera. Por estas razones se muestra como un hombre curtido por las situaciones de la calle, que sabe hacer su papel de “matarlos suavemente”, de mostrarse como una solución, como un amigo que quiere ayudar a salir de ese gran problema, pero lo único que quiere es resolver con celeridad lo que en inicio se presenta como obvio.

Las actuaciones encuentran, en el ritmo lento de la historia, la manera para desarrollar su dramatismo; es el drama entendido como una vivencia personal, como el diario vivir y sobrevivir en una Nueva York diversa y nocturna, inmersa en el mundo del delito menor al que se enfrentan los hombres de una manera natural, el mundo del robo, la prostitución, el consumo de drogas, pero que encuentra en el gran delito una manera de ahondar en los temores más personales de cada uno de los personajes.

La forma de descomposición personal que sufre el protagonista responde a la máxima: “es mejor cometer injusticias que padecerlas”. Eso es su vida en la cárcel, la transformación en un verdadero criminal. La forma en que la justicia legal actúa en contextos específicos genera que se emita un veredicto antes de conocer la realidad del hecho a juzgar. Y en ese mismo sentido, se intenta conocer el límite de un hombre, que se ve sometido a las condiciones más adversas que puede pensar, y cuánto puede mantenerse antes de sucumbir a las condiciones que le impone el entorno.

Una miniserie que intenta generar un debate acerca de nuestros prejuicios, acerca de la capacidad que se debe tener para comprender y analizar la realidad más allá de nuestras vagas y simples opiniones. Es una invitación a superar las apariencias, a encontrar un sentimiento de verdad por debajo de la capa de banalidad  que cubre las situaciones de la vida.

MANDRAKE, Una Serie para Recordar

Una voz en off, nos hace ésta insinuante introducción: “ese soy yo. Mi nombre es Mandrake. Soy abogado criminalista. Vivo cercado de clientes acusados de contrabando, tráfico de drogas, estupro, secuestro y otros crímenes menores. Cuando me mienten, les creo para defenderlos mejor. Cuando dicen la verdad, recurro a otros mecanismos psíquicos que alivian la conciencia, diciéndome a mí mismo ‘no juzgues, intenta entender’”. A partir de ésta declaración de principios,  el actor Marco Palmeira nos presenta a su personaje: Mandrake. 

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Mandrake es una serie brasileña producida por Conspiraçao Filmes y que fue transmitida por HBO Latin America y que acaba de cumplir el décimo aniversario de su primera emisión. La serie se basa en los libros El Gran Arte de Mandrake y La Biblia y El Bastón del escritor Rubem Fonseca. Mandrake es la prolongación del escritor brasileño quien por más de veinte años ha presentado al detective en distintas situaciones, Rubem Fonseca nació en Juiz de Fora (Minas Gerais) en 1925, con su trabajo como abogado y comisario de policía anticipó al Mandrake futuro. En 1979 Mandrake aparece por primera vez en un cuento del libro El Cobrador.

Entre los libros y la serie existe una continuidad, se mantiene el tono distintivo de la prosa de Fonseca, la crudeza de su narrativa trasladada a imágenes, con un humor muy fino y negro, resaltando las conversaciones y en ellas como se vierten los personajes, todo esto teniendo a Río de Janeiro como el gran referente, y no sólo como telón de fondo, de modo que aunque se rememore la ciudad a través de sus espacios más icónicos, también hacen presencia sus bajos fondos, los lugares de decadencia  en los que los personajes desarrollan y se obsesionan con los placeres mundanos, en los que se devela la verdadera naturaleza humana.

En ésta serie los personajes que acompañan a Mandrake son igual o más perversos que el propio protagonista, de modo que aportan mucho más contenido a los casos que en cada capítulo nuestro héroe debe resolver. Y es que para Mandrake, antes que el ejercicio del Derecho se encuentra el bienestar de sus clientes, por ello cada situación tiene que ser resuelta con una ética a tono con la corrupta realidad que los circunda.  

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Entre los personajes de la serie se encuentran; a León Wexel (Luís Carlos Miele) es el mentor jurídico de Mandrake, se erige como la figura que representa la prudencia y el buen juicio, es decir, el camino de un buen abogado y al que siempre recurrirá para poder poner los casos, y en algunos casos su propia vida, en perspectiva.  El corazón del protagonista se debatirá entre el amor de Berta (Maria Luiza Mendonça) una mujer que ha copado durante un tiempo el corazón del protagonista, que puede describirse como la novia oficial, sin embargo reconoce que la forma particular del trabajo de Mandrake siempre lo conducirán a los brazos de otras mujeres, y a veces sólo necesita de sus mentiras para sentirse acompañada. Por otro lado se encuentra Bebel (Érika Mader) una joven que es la amante regular del protagonista, quien desestabiliza a Mandrake y representa el deseo puro, la lujuria, y quien inserta al protagonista en el desenfreno de la juventud de la nueva sociedad brasileña.

También hay que sumar a la serie su estrecha conexión con la cultura musical brasileña, y no sólo porque Mandrake sea un melómano que haga uso de su conocimiento musical —de hecho, su tema principal es la pieza Work Song de Charles Mingus—, sino en la participación que varios de los músicos brasileños más reconocidos, de modo que, Tony Belloto, el guitarrista de la banda paulista de rock Os Titãs, es uno de los guionista de la serie,  Dado Villa-Lobos, el guitarrista Legião Urbana, es el encargado de musicalizar los capítulos. Además, participan varios actores con papeles muy pequeños en el desarrollo de la serie.

Mandrake es una serie que puede atraer a dos audiencias, a los amantes de la literatura brasileña y los seguidos de series de autoconclusión, pues ésta puede verse de forma discontinúa ya que cada capítulo representa una historia independiente. Ésta serie se convirtió en un icono de las series latinoamericanas que hicieron presencia en el mundo, y con sus varias nominaciones a los premios Emmy, evidenció que se pueden contar historias que trasciendan las lenguas, que hay posibilidades de hacer televisión internacional por fuera del inglés. Así, Mandrake es una excelente manera de conocer la muy buena producción brasileña.

ORANGE IS THE NEW BLACK; El Género Carcelario En Una Mirada Femenina

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Orange is the New Black es una serie producida por Jenji Kohan (misma productora de Weeds) y Lionsgate Televisión, que se puede ver por Netflix. Basa el desarrollo de su historia, en su primera temporada, en el libro homónimo escrito por Piper Kerman que narra la experiencia de una mujer de clase media que comete un delito relacionado con el tráfico de drogas, por el cual que sólo es juzgada diez años después, cambiando su vida radicalmente al ser recluida en una prisión federal de los Estados Unidos.

Para el desarrollo de la serie, la autora decidió cambiar su apellido, por lo cual la protagonista será Piper Chapman (Taylor Schilling, Argo), una mujer con una vida acomodada que la ha convertido en un ser extremadamente egoísta a quien le falta experiencia social para afrontar una realidad que la desborda y a la cual se enfrentará al ingresar a prisión.

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La Prisión Federal para mujeres de Litchfield, en su pabellón de seguridad media, se convertirá en el escenario en el cual Piper padecerá una inevitable transformación. Es el lugar que le permitirá ir develando su verdadera personalidad. En inicio la historia juega con nuestros preceptos y va acentuando los estereotipos que se asocian a su presencia física y sobre todo su pasado, de modo que invita al espectador a ser el testigo de la evolución de una insulsa mujer de suburbios norteamericanos hasta la mujer que comienza a conocerse a sí misma cuando se ve sometida a un régimen de vida psicológicamente exigente, que acaba extrayendo desde las facetas más primitivas hasta las conclusiones más profundas.

Y aunque la serie tiene un centro claro, no tiene un único protagonista, puesto que alrededor de Piper se tendrá el desarrollo de 15 historias que representan las reclusas  que forjarán el microcosmos de la prisión, de modo que encontrará reclusas con biografías muy disímiles, lo que generará en la protagonista un primer contacto con experiencias y modos de pensar completamente diferentes que desbordarán su estrecha realidad.

Con la fórmula de dedicar un capítulo a cada personaje, enlazando a la perfección los flashbacks con el momento actual, la serie nos va enseñando cada vez más acerca de las reclusas, de modo que cada trama se cierra sin giros forzosos, entregando a la narrativa una fluidez casi natural y que hace mucho más llevadera la historia central.

Con personajes que encarnan delincuentes de todo tipo y con un pasado diferente que, poco a poco, como si se tratara de capítulos de un libro, vamos conociendo a cada personaje. Encontraremos entre otras la historia de Alex Vause (Laura Prepon, That '70s Show) mujer manipuladora y ventajosa, amante de Piper y cuyo testimonio es lo que tiene a la protagonista en éste capítulo de su vida; Suzanne “Crazy Eyes” Warren (Uzo Aduba) reclusa enamorada de Piper, con trastornos de personalidad que aportará la locura y el humor en el desarrollo de las historias; Galina "Red" Reznikova (Kate Mulgrew) la rusa que dirige la cocina y que desde una postura de jefa de otrora, maneja gran parte de las relaciones que se tejen en la prisión; Sophia Burset (Laverne Cox) personaje transgénero que trabaja en el salón de belleza de la prisión y que representará los problemas de socialización y de salud que tendrá la institución.

Así mismo, desde el punto de vista institucional se encuentra a dos importantes personajes; el trabajador social Sam Healy (Michael J. Harney, True Detective) quien se encarga de atender los problemas de las reclusas y que a través de su trato a las mismas deja ver sus prejuicios, carencias emocionales que confunde con afecto y simpatía por las reclusas; del mismo modo encontramos al Director de Operaciones Joe Caputo (Nick Sandow) que en su afán por intentar ofrecer un espacio de resocialización para la integración social de las reclusas, se encontrará con la corrupción y burocracia público – privada del sistema penitenciario de los Estados Unidos.

Aunque la violencia y la intimidación aparecen en el desarrollo de la historia, serán las tensiones psicológicas y emocionales de los personajes tanto individuales como en su interacción con los otros, así como los juegos de poder y los enfrentamientos entre los diferentes grupos lo que alimentarán y nos permitirán conocer la dinámica de la prisión.

Orange is the New Black es difícil de catalogar, ya que aunque se piensa como un drama ligero o como una comedia seria y se puede insertar dentro del género carcelario, ninguna de ésta categorías podría contener de forma específica su narrativa, sin embargo, o tal vez por eso mismo, es una buena serie que cuenta con un ritmo ágil, con un toque dramático debidamente compensado con elementos de humor, sátira y crítica del sistema carcelario norteamericano, ofreciendo una buena alternativa a los que gustan del genero carcelario o a aquellos que se encuentran saturados por el género fantástico.

El Universo Kirkman: Una Mirada Rápida a Los Cómics The Walking Dead y Outcast

El cine y, en especial, la televisión han sufrido una fuerte invasión por las historias que vienen de los cómics, desde las clásicas aventuras de superhéroes conocidos a nivel mundial, hasta de héroes con menor reconocimiento pero que se han ganado un espacio a fuerza de buenas producciones, pero también empiezan a hacer presencia historias menos conocidas, de los cómics de los conocedores, historias que se trasladan en realidades alternativas o situaciones que se mantienen de forma paralela a la vida cotidiana, y es en ésta última vertiente que se inscriben los cómics de Robert Kirkman The Walking Dead y Outcast.

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Para muchos ya es muy conocido y hasta bastante agotador hablar de The Walking Dead -TWD- (creado por Robert Kirkman, Tony Moore y Charlie Adlard), porque se encuentran saturados por las historias de zombies, o tal vez les aburre el sentido de apocalipsis que éste tipo de series desarrolla, o por la cantidad de derivados que ha tenido dado el éxito de su serie televisiva, pero sin embargo pocos conocen el comic directamente y es lo que hay que rescatar.

TWD es un cómic que es difícil de leer para los que se acercan por primera vez a una historia gráfica, y es que al ser una historia desarrollada en sólo una tinta, es decir en blanco y negro, lo que genera cierta aversión en algunos lectores.  La historia lleva un ritmo bastante diferente a la serie, los personajes  del cómic intentan entrar de manera más lenta en la dinámica de la nueva realidad del mundo destruido por el régimen zombi, se guarda una fuerte esperanza por el mundo anterior, hay una remembranza a lo que podría llegar a ser el futuro.

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Es de resaltar el hecho de que la historia que desarrolla TDW es una narración sin inicio, que no gira en torno a la búsqueda y solución del problema de los zombis, de un elegido para salvar el mundo del apocalipsis, ni mucho menos se trata de la creación de una cura sino que se reconoce que el mal se encuentra adentro de cada uno y que la muerte los espera de forma inevitable, y sobre todo los espera para hacer parte de la nueva masa que domina el mundo; “los caminantes”.

TWD es la narración del viaje interior de cada uno de los personajes hasta llegar a su estado más animal, hasta el estado de la supervivencia pura, y encuentran un lugar de su ser donde van desapareciendo los límites de la moralidad, donde la ética se corrompe y las convicciones que han perdido validez en un mundo sin futuro, de modo que cada persona empieza una transformación por la necesidad de seguir vivo un día más, aunque se reconozca que tal vez son los supervivientes los verdaderos muertos vivientes.

Kirkman ha establecido los parámetros de lo que según su visión sería un mundo post apocalíptico, un mundo que establece nuevas relaciones sociales, que se adentra en la dinámica que se rige por la máxima de que “el hombre es un lobo para el hombre” y se empieza a establecer las nuevas reglas de un mundo en el que si no has matado, no has vivido la realidad o simplemente estás mintiendo y lo que quieres es sacar provecho de la situación.

 En Outcast (creado por Robert Kirkman e ilustrado por Paul Azaceta) encontraremos otra forma de narrativa, puesto que no hablamos de otro mundo, sino de las cosas que suceden en la cotidianidad de la vida y que sólo afectan a un pequeño número de personas a nuestro alrededor, y por tanto sólo son sucesos de la vida que empiezan a tener sentido sólo si conocemos la totalidad de las circunstancias.

Kyle Barnes es un hombre con una vida destruida, desde pequeño se ha enfrentado a una vida de abusos, tras abandonar su pasado y su pueblo natal Roma, ha empezado una vida en  otro lugar, sin embargo los resultados son los mismos, ha logrado destruido su matrimonio por circunstancias muy similares a las su niñez. Es por esto que encontramos a un ser derrotado, abandonado a su desintegración existencial, que ha dejado de dirigir sus acciones para sólo dejar pasar los días y afrontar su muerte, que espera llegue pronto.

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Bajo estas perspectivas, Kyle ha de encontrar en las personas que lo rodean, los motivos por los cuales no puede dar fin a su existencia, en las constantes intromisiones de su hermana adoptiva Megan Holter, todo por intentar recuperar la vida de su hermano y poderlo unir a su nueva familia haciendo presencia en la vida de su sobrina. Pero lo que realmente dará sentido a la vida del Kyle, es la relación con el Reverendo Anderson y en particular con los exorcismos que éste practica, de modo que a través de flashbacks iremos recuperando las piezas del rompecabezas de la vida destruida del protagonista.

En éste cómic, que se desarrolla en color pero que  recuerda la textura e impresión de las viejas tiras cómicas de periódico, al igual que TWD se juega con las sombras, dándole un tono de claro oscuro que rememora a las novelas negras norteamericanas. Aunque la historia es joven, y tiene un argumento que aún se mantiene algo oculto para el lector, se encuentra inmersa en la idea del hombre que posee un gran poder, del cual no tiene muchas idea, y mucho menos manejo, pero que codician fuerzas que apenas empieza a comprender y que exigirá de su mayor esfuerzo para no convertirse en el arma capaz de desatar el apocalipsis en la tierra.

Aunque los dos cómics se encuentran ligados por el mismo tema, para uno es el inicio y para otro es el posible final. Ambos son unos excelentes recomendados para quienes se quieran iniciar en el mundo de los cómics.

VEEP, La Comedia de la Vergüenza Ajena

Son varias las series que se desarrollan alrededor de los acontecimientos políticos que suceden en la Casa Blanca, se puede recordar la serie The West Wing (El ala oeste de la Casa Blanca) representativa de las narrativas de Sorkin, también, se puede mencionar la serie House of Cards, ya comentada en éste blog, y para otros también habría que mencionar la serie Scandal. Las dos primeras son dos muy buenas series dramáticas que, a su manera, desarrolla las interioridades de los juegos del poder que se desarrollan en Washington pero que tienen repercusiones en todo el mundo. La tercera se mueve en la manera por la cual se enmascaran los escándalos políticos y personales de los diferentes políticos que ejercen el poder en los Estados Unidos. Sin embrago faltaba en la actualidad una serie que abordara con humor los vericuetos del poder, y Veep es la serie que se encarga de reírse de la capital política estadounidense, y lo hace de una forma brillante.

Imagen tomada de: hollywoodreporter.com

Veep[1] es una serie creada por Armando Ianucci y se encuentra inspirada en la serie The Thick Of It, (del mismo creador) en la que se narra la cotidianidad de un Ministerio ficticio del Gobierno británico y en particular de las gestiones políticas de sus singulares personales, y si bien las historias nacen de una idea en común, la distancia que existe entre la comedia británica y la estadounidense, marcan la distancia entre las dos historias desarrolladas en cada una de las series.

Imagen tomada de: filmaffinity.com

La serie desarrolla en torno al  trabajo que se le delega a la Veep y al nefasto equipo que le rodea y de sus miserias diarias sale un ácido retrato del día a día de la Casa Blanca, por ello Veep es un retrato patético de la clase política de Washington y que se encuentra mucho más cercano a lo que piensan los ciudadanos actuales del obrar de sus  gobernantes.

Selina Meyer (Julia Louis-Dreyfus) es una congresista que en su camino hacia el Despacho Oval y sólo por  unos oportunos golpes de suerte se encuentra relegada a la ser la Veep –Vicepresidenta-. Selina no se caracteriza especialmente por nada, excepto por su constante incompetencia, por lo que su trabajo se ve reducido a temas vagos y sin importancia general para el futuro del país, y es por ésta notable habilidad que se encuentra rodeada de un equipo de personajes que no son capaces de salvarla de su mediocridad como política, ni de su falta de liderazgo como gestora de un equipo de asesores, especialistas en sabotearse a sí mismos.

El equipo compuesto por su asistente personal Gary Walsh (Tony Hale, The Office) quien lleva siempre una maleta para satisfacer todas las necesidades de ls Veep, esconde un amor secreto por ella y por ello le guarda una ilimitada fidelidad aunque pase siendo un siemple accesorio para Selina. Su jefe de Comunicaciones  Mike McLintock (Matt Walsh, Brooklyn Nine-Nine) un hombre que no le importa su trabajo y lo hace de la manera más mediocre posible, a tal grado que inventa tener un perro para irse siempre temprano del trabajo. La jefa de gabinete de la vicepresidenta Amy Brookheimer (Anna Chlumsky, My Girl)  es la persona que se convertirá en el chivo expiatorio de todas las acciones que salen mal,  constantemente ve como su reputación es socavada con el fin salvar la credibilidad política de Selina, personaje que siempre estará acompañado de Dan Egan (Reid Scott, The Big C) el subdirector de comunicaciones, que representa la sangre nueva, las nuevas ideas, la ambición de escalar posiciones y no estar más en el gabinete de la Veep sino más cerca de POTUS. 

 La series intenta ubicar la espectador en el lugar de testigo silencioso y privilegiado, dispuesto a sufrir con las contantes incapacidades de la Veep y su grupo, de modo que es un tipo de comedia incómoda, donde se confunde un poco el humor con sensación de vergüenza ajena. El mérito de la serie y de sus productores ha sido darle una oportunidad a la serie, puesto que su primera temporada es algo floja y no alcanza a desarrollar el potencial de los personajes, sin embargo a partir de la segunda ha logrado tener su propio ritmo y fluidez que le ha permitido mantenerse, hasta ahora, cinco temporadas.  

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[1] Veep es la forma en la que se conoce a los vicepresidentes en los estados Unidos, y al presidente se le conoce como Potus, de President Of The United States.

UNA BREVE NOTA A LA FILMOGRAFÍA DE KEN LOACH

La cinematografía de Kenneth “Ken” Loach gira alrededor a la simplicidad de la historia. Su cine intenta trasmitir un sentido de realidad que imita lo cotidiano, de modo que el hecho narrativo se alimenta de la sinergia entre las personas que ejercen la actuación natural y los actores que componen sus películas. Ken Loach se aproxima al relato de las clases trabajadoras del Reino Unido de una manera que se hace universal, puesto que encuentra en los temas de la injusticia, la desigualdad y la pobreza los elementos fundamentales de su cine.

Imagen tomada de: http://www.bbc.co.uk/

La extensa filmografía de Loach se ha caracterizado por la unidad temática, en la que se cuentan historias de los trabajadores industriales, marcadas por los temas de desempleo, subsidios, vivienda, delincuencia, y los sentimientos que envuelven las vidas de los protagonistas en sus familias, en la amistad, el amor, y la hermandad. Estos elementos revelan la empatía que Ken Loach siente con la clase obrera, encontrando en la sensibilidad cinematográfica del director una interpretación de la realidad que representa las condiciones particulares de la existencia que experimentan los protagonistas de sus películas como parte de las clases excluidas de la sociedad europea.

En las películas de Ken Loach encontramos una realidad menos elaborada, una realidad despojada de la máscara de la narrativa intermedia, del metarelato del arte, por lo que sus narraciones se nutren de la simplicidad de las acciones de los personajes generalmente enmarcados en contextos de crisis, sean personales, barriales o históricos.

Imagen del rodaje de la película Poor Cow, tomada de:  http://www.bfi.org.uk/

En la crisis del Estado del bienestar que ha vivido ésta nueva Europa integrada y que ha recortado las diferencias entre las diversas clases obreras entre los países de la comunidad, encontramos un nuevo contexto que ha transformado sus condiciones de vida y que para algunos sectores ha generado circunstancias de abundancia y desarrollo, pero también que se desarrolle una nueva generación de obreros, que frente a ésta nueva realidad, sólo se enfrentan a nuevas formas de exclusión.

En las películas de Ken Loach encontramos a todos los actores de esa crisis: desempleados sin esperanzas, mujeres con problemas para emanciparse de sus parejas o familias, emigrantes con papeles o sin ellos, ideologías caducas y a la vez llenas de sentido, partidos en crisis, sindicatos aburguesados y tantos otros excluidos de rostros diversos. Su filmografía mira a las víctimas de la crisis a partir de historias de la vida real, de forma que su cámara se vuelve sobre nosotros para mostrar nuestra realidad más cercana.

Imagen tomada de: http://www.bauleros.org/

Muchos conocedores de la historia de la cinematografía mundial encontrarán en sus películas un tono muy similar a la corriente del neorrealismo italiano[1], sin embargo se encuentra menos cercana al sentido artístico y metafórico de aquella. Fílmicamente son producciones muy cuidadas en su estructura narrativa y eso le da agilidad y cercanía con el espectador, esto debido a su experiencia en el medio televisivo, de modo que se cuentan historias que están dirigidas a afectar sus sentimientos pero que convocan a la reflexión.

Sus películas, en varias ocasiones, han sido objeto de censura estatal y siempre encara toda una lucha para conseguir los fondos para sus nuevas películas.

Algunos ejemplos de su filmografía, parte de la cual se encuentra disponible en su propio canal de youtube:

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Poor Cow (Pobre Vaca) 1967, es la historia de Joy, una joven mujer que es madre y que se encuentra casada con Tom, un ladrón violento que se burla de ella y la humilla constantemente, incluso en presencia de sus amigos, pero esto no la molesta mucho, salvo algunas discusiones, sin embargo al ser encarcelado su esposo, vemos a la mujer enrollarse en una nueva relación sentimental con el mejor amigo de su esposo, Dave otro delincuente, desarrollando una relación mucho más profunda sentimentalmente pero que tiene los mismo resultados, puesto que Tom también es encarcelado al tiempo que su ex esposo sale de la cárcel. Es una de las primeras narrativas de las historias conocidas despectivamente como White Trash.

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Kes 1969, la historia de un muchacho que vive con su madre y un medio hermano tosco que trabaja en lo único que se puede trabajar en el pueblo de Yorkshire: como minero. Para Kes la única cosa que le entrega significado a su vida se deriva de una relación que lleva con un ave de caza, un cernícalo salvaje. Ésta entrañable relación generará toda una serie de celos entre los dos hermanos, y la incomprensión de su madre de manera que se explora la forma en que la clase obrera vuelve contra sí misma y como termina por enfrentarse con las cosas que no tiene la capacidad social de entender.

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Family Life (Vida Familiar) 1971, con un guion de David Mercer, la película es un intento por acercarse al tratamiento que se le da a la esquizofrenia en las clases populares. La historia se basa en el trabajo del psiquiatra R. D. Laing y gira alrededor de Janice, una joven asfixiada por la relación con sus padres, obligada a abortar y progresivamente hundida en el pozo sin fondo de su trastorno mental.

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Hidden Agenda (Agenda oculta) 1990, es la historia de dos abogados norteamericanos que luchan en favor de los derechos humanos,  que se encuentran en Belfast investigando acerca del trato que reciben los presos de la organización IRA, cuando a su manos llega una información comprometedora. La historia se desarrolla en el tono de un thriller político que retrata, por un lado el estado de excepción y de violencia policial-militar que se vivía en Irlanda del Norte, y por otro, muestra la existencia de una conspiración institucional dirigida, primero a cambiar el liderazgo del partido conservador, sustituyendo a E. Heath por un miembro del ala derechista de su partido, y luego, encaminada a desestabilizar el gobierno laborista de H. Wilson y conseguir así la elección de M. Thatcher. Película que consiguió el premio especial del jurado en el festival de Cannes.

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The Wind That Shakes the Barley (El viento que acaricia el prado) 2006, cuenta la historia del nacimiento del IRA en 1920 a través de la historia de un joven médico que se encontrará en medio de los abusos a los que son sometidos los irlandeses por parte del ejercito inglés en las zonas de influencia del movimiento independentista. La circunstancias presentarán al protagonista las realidades de la guerra, que en la zona se encuentran lideradas por su hermano y que presentará los conflictos familiares, ideológicos y humanos que rodean ésta confrontación.

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[1] El neorrealismo italiano se caracteriza por ser una corriente cinematográfica de la reconstrucción italiana de la postguerra, marcada por el desasosiego personal y la poca perspectiva de futuro que se entremezcla con el carácter y recuerdo del imperio romano, es la lucha entre lo que se fue y las ruinas que componen la realidad más tangible.

SILICON VALLEY: Cuando Una Idea No Es Suficiente

Silicon Valley es el lugar donde se encuentran las más grandes empresas de informática, electrónica y tecnología del planeta,  que en el imaginario del hombre común, es el lugar en el que conviven las personas con mentes más brillantes, con ideas innovadoras y con los comportamientos más inadaptados del mundo, pero al mismo tiempo es el lugar en el que las ideas tienen una oportunidad de éxito, de que una idea se convierta en la nueva empresa que domine el mercado de la tecnología mundial.

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Es en éste contexto, y aprovechando los imaginarios comunes, que Mike Judge (Beavis And Budhead, Reyes de la Colina) genera una comedia de situación (SITCOM para los entendidos en el tema) en el que toma la vida de Richard Hendricks (Thomas Middleditch) quien trabaja en una gran empresa de tecnología llamada Hooli, sin embargo paralelamente a su trabajo cotidiano como programador, está desarrollando un algoritmo de comprensión de datos y que en inicio se piensa para comprimir archivos de música, de allí que su nombre sea Pied Piper (Flautista de Hamelin en una traducción no muy ortodoxa), y es allí donde se encuentra todo el hilo conductor de ésta historia.

Richard comparte de manera casual su desarrollo con dos compañeros de trabajo, de los cuales sólo recibe burlas y desprecios, sin embargo despierta el interés de dos de los empresarios más poderoso de la ciudad, en inicio de su jefe, dueño y fundador de Hooli, Gavin Belson (Mat Ross, America horror Story: Hotel, Doce Monos), que por recomendación de su asistente  Donald Dunn, más conocido como Jared, (Zach Woods, The Office) decide ofrecer 10 Millones de dólares por su creación, y por otra parte se encuentra Peter Gregory (Christopher Evan Welch, que falleció de cáncer de pulmón durante el rodaje de la primera temporada) quien ofrece financiar el proyecto en el modo start-up y fortalecer una empresa, y hace que Mónica (Amanda Crew, El Secreto de Adaline, Jobs) convenza a Rochard para inclinarse por su propuesta. Ésta se convertirá en la primera gran decisión de Richard y la que determinará el futuro de las historias de la serie.

La idea que fundamenta Pied Piper se desarrolla gracias al impulso de la incubadora, léase casa – alojamiento - oficina, que provee el también programador Erlich Bachman (T.J. Miller, Deadpool) que en algún momento desarrolló una aplicación; Aviato, dejándole algún dinero y la posibilidad de albergar a nuevos innovadores para que prueben suerte en la anhelada ciudad, claro no sin antes hacerse con parte de la participación accionaria en las ideas que de allí salgan.

Acompañan en ésta historia los escritores de códigos Bertram Gilfoyle (Martin Starr, The Incredible Hulk, Superbad) satanista y que pone el toque satírico y de humor negro a la serie, acompañado de Dinesh Chugtai (Kumail Nanjiani, Mi Nombre es Doris) pakistaní tímido y bastante incrédulo, victima favorita de las bromas de Gilfoyle, constituyen el cuerpo del desarrollo de una comedia que gira en torno a la consecuencias que tiene el desarrollar una idea que puede cambiar el mundo de la tecnología.

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Aunque es catalogada como una comedia, no es una serie de humor fácil, para los familiarizados con las series anteriores del creador Mike Judge, no se sentirán defraudados pues se encuentra repleta de comentarios de culto y guiños a las estrellas tecnológicas y mediáticas más relevantes. La serie juga con la idea generalizada de que las ideas brillantes pueden ser una mina de oro, sin embargo también desarrolla las consecuencias de el lema de la época “sigue tus sueños” y es en éste camino en el que veremos a unos personajes inmersos en, lo que es verdaderamente, el mundo de los negocios, una lucha entre lobos.

LA CACERÍA, O Como Las Circunstancias Nos Desbordan

La Cacería es una película que juega con el espectador que es capaz de comprometerse con la historia, puesto que pone al espectador en una posición difícil, la generar empatía con un protagonista huraño, con poco carisma que se ha alejado de las personas.

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Lucas (Mads Mikkelsen, Casino Royale, Hannibal: La Serie) es un docente de secundaria que debe trabajar de manera temporal como asistente en un jardín de infantes porque la escuela ha sido trasladada a otro pueblo. De modo que nos encontramos con un hombre bastante solitario, que ha paso por un divorcio hace poco y que se encuentra separado de su hijo adolescente, siendo éste tal vez la única persona con la que Lucas puede expresar libremente su interioridad, y con el que comparte el ritual de participar en temporadas de caza organizadas por la comunidad, evento que también constituye el momento en que los niños se convierten en hombres. 

Sin embargo Lucas es un hombre querido por la comunidad, pues tiene un trato especial con los niños, construye con ellos un espacio de lleno de juegos e imaginarios que alegran los días de labores en el jardín de infantes. Es en éstas condiciones que Klara (Annika Wedderkopp), una pequeña rubia y encantadora hija de uno de sus vecinos, se siente especialmente acompañada por la presencia de nuestro protagonista, propiciando momentos de afecto entre los dos personajes.

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Esa sensibilidad de trato con los niños, es lo que hace que surja un extraño atractivo que se consolida en el noviazgo con una de sus compañeras de trabajo, sin embargo todo en su vida cambiará cuando Klara asegure que Lucas se ha propasado y que le ha mostrado el pene.

Dada la personalidad de nuestro protagonista y en particular su soledad, no se hace difícil entender por qué sus compañeros del jardín de niños, la familia de la chica y el pueblo en general le creerá a la “víctima” e iniciará el efecto bola de nieve contra el “victimario”, convirtiéndose en una dura cacería contra la pedofilia, bajo la presunta acusación de abuso infantil.

La película resulta atrapante pues se encuentra construida alrededor de la histeria colectiva, que se alimenta de la degradación de la familia y la hipocresía social en tiempos en los que se actúa más por conciencia colectiva o por señalamiento social que por verdadera convicción, lo que genera en el espectador una tensión casi insoportable que deja una enorme sensación de impotencia frente a las circunstancias extraordinarias que desbordan al hombre común, casi en un sentido hitchcockiano.

PENNY DREADFUL: UNA SERIE SIN RESOLVER

Penny Dreadful es una serie que se desarrolla en Londres de una época victoriana donde transitan algunos de los personajes más icónicos de la literatura fantástica. Entre Dorian Gray, el doctor Frankenstein y su monstruo, el hombre lobo, alrededor de la iconografía de Drácula y la mitología egipcia, se narra la historia de la médium Vanessa Ives (Eva Green, 300: El Origen de un Imperio), una mujer de carácter fuerte, misteriosa y seductora, que vive atormentada por las visiones y posesiones diabólicas que sufre, pero que son la única pista para investigar la extraña desaparición de la hija del reputado explorador de África Sir Malcolm Murray (Timothy Dalton, tal vez el menos conocido de los actores que ha interpretado a James Bond).

Tomando como marco general los inicios de la revolución industrial, y evidenciando como éste momento de cambios y experimentación tecnológica y científica afecta a los protagonistas, son desarrolladas las historias de los personajes que  irá reclutando Sir Malcolm en la cruzada por la liberación de su hija de las fuerzas oscuras que la retienen, y al mismo tiempo luchar con las fuerzas paranormales que habitan en las sombras del mundo.

Ésta lucha se convertirá para cada uno de los personaje en la forma por medio de la cual construyen su lugar en el mundo, estableciendo su propia identidad, por medio de la necesidad de conocerlo (o experimentarlo) todo; sin embargo, algunos de ellos pueden llegar a ser consumidos por la curiosidad y por su empeño en explorar los límites de la vida.

La pareja Ives -Malcolm encontrará la necesidad de apoyar sus incursiones en el mundo oscuro en varios personajes; primero, en el estadounidense, artista de feria y pistolero Ethan Chandler (Josh Harnett, La Caída del Halcón Negro, La Dalia Negra), personaje que busca huir de su pasado en sus viajes por el Reino Unido, pero que como escolta y mercenario del grupo se convertirá en uno de sus principales aliados. Después estará el doctor Víctor Frankenstein (Harry Treadaway, El Llanero Solitario, Fish Tank), que a través de su insaciable necesidad de conocimiento del cuerpo humano, será el encargado de arrancar respuestas a los cuerpos inertes de las criaturas de la noche, sin embargo guardará para sí el secreto de su creación, la manifestación de su triunfo sobre la muerte, a su criatura (Rory Kinnear, The Imitation Game) quien rondará la vida de Víctor pero que no hará parte del grupo. Y para completar el pequeño ejército, se cuenta con el letal con los cuchillos y leal amo de llaves de Sir Malcolm,  Zembene (Danny Sapani, Doctor Who), personaje silencioso pero siempre perceptivo de los peligros que acechan.   

Imagen tomada de: http://www.hollywoodreporter.com

Alrededor de los personajes, y en especial de Miss Ives, se encontrará Dorian Gray (Reeve Carney, American Playboy), personaje que irá estableciendo una relación muy especial con Miss Ives, sin embargo, dado que ambos hospedan particulares fuerzas oscuras con las que deberán lidiar, se convertirá en una relación que sólo será otra forma de oscuridad.

La serie es una producción de contenido psicológico, cargado con contenido erótico, pero que en su primera, y algo corta, temporada sólo deja preguntas abiertas para resolver en la segunda temporada (ya disponible) y que sigue con todas las preguntas por resolver en la tercera temporada ya aprobada por la productora showtime. No es una serie fácil de ver, hay que tener paciencia y dejarse llevar por la historia, de lo contrario es lo suficientemente intrincada como  para abandonarla de manera fácil. Penny Dreadful se encuentra entre ser catalogada como un drama de personajes en el marco de la revolución industrial o ser una historia de lo sobrenatural, que mezcla temas como la religión, la brujería, la ciencia y la superstición, haciéndose difícil de definir.

Penny Dreadful[1] es escrita y creada por el guionista John Logan, responsable de grandes producciones como Gladiator, El Aviador, La invención de Hugo, entre otras;  cuenta con la producción de Sam Mendes, (Camino a la Perdición, ganador de un Oscar por American Beauty) y los dos primeros capítulos están dirigidos por el cineasta español J. A. Bayona (Lo Imposible, El Orfanato).

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[1] título hace referencia los folletines de ficción de terror que se vendían por fascículos en la Inglaterra del siglo XIX al precio de un penique

THE KNICK: Entre la genialidad y la Adicción.

"Vivimos en un momento de infinitas posibilidades.

Hemos aprendido más sobre el cuerpo humano en los últimos 5 años que en los 500 anteriores".

Dr. John W. Thackery (Clive Owen)

The Knick se inspira en la historia real del Knickerbocker, un hospital neoyorquino que estuvo en servicio en la zona norte de Manhattan desde finales del siglo XIX hasta 1979, y nos presenta  las experiencias diarias, y sobre todo personales, del grupo de innovadores cirujanos, enfermeras y equipo del hospital.

La Serie se encuentra ambientada a principios del siglo XX, y se centra en el ejercicio de la medicina moderna, en la que los médicos no dudaban en sobrepasar los límites de la ética y la moral de su época en favor de la investigación científica, en una época donde las enfermedades presentaban elevadas tasas de mortalidad, además de la ausencia de antibióticos, lo cual hacía del ejercicio de la medicina un ejercicio de ensayo y error, dónde la medicina aún no contaba con la suficiente cohesión entre sus médicos para ofrecer soluciones a los problemas de salud pública de una ciudad en crecimiento y puerto de entrada para los inmigrantes que consolidaron el crecimiento del país.

The Knick tiene como personaje central  al Dr. John W. Thackery “Thack” (Clive Owen, Sin City, Los Niños del Hombre), un genial y arriesgado cirujano que empezaba a aplicar en la mesa de operaciones avances científicos como la electricidad o los rayos X. El problema es que sus métodos que se basan en su enorme talento médico, que muchas veces acaban en auténticas carnicerías, se contrapone a sus vicios y secretos de su oscura vida privada.

El Knickerbocker no es sólo un hospital, es también un reflejo de la incipiente sociedad neoyorquina, con un sentimiento profundamente clasista y tolerante con la corrupción, como se muestra en los arreglos del Señor Herman Barrow (Jeremy Bobb, Conoces a Jack conocida en español más como El Doctor Muerte) director del hospital con los nacientes “sindicatos”, o en las luchas entre los conductores de ambulancias por quedarse con los heridos que necesitan atención.

Aunque ubicado en el norte de los Estados Unidos, las clases sociales que apoyan económicamente al hospital se encuentran en contra de la integración racial, el propio doctor Thackery,  aun siendo cirujano brillante y un reconocido adicto a la cocaína, es un racista arrogante que desprecia a Dr. Algernon Edwards (André Holland, Selma) un médico negro recién llegado de Europa que con técnicas revolucionarias intenta hacerse un lugar en el equipo médico del hospital.

Del mismo modo, nos muestra las luchas de las mujeres por encontrar un lugar en las diferentes posiciones sociales de la sociedad americana, desde Cornelia Robertson (Juliet Rylance, Siniestro), hija del Capitán August Robertson (Grainger Hines, Lincoln, Rocky II) principal auspiciante del Hospital, que desde la junta directora del Knickerbocker intenta luchar por la integración racial, los brotes de enfermedades muy contagiosas que aquejan a la ciudad por la inmigración sin controles de personas desde Europa y al mismo tiempo hacer que sus opiniones sean tomadas en serio por parte, no sólo de su familia, sino del resto de personas que conforman la junta del hospital. También nos encontramos con la hermana Harriet (Cara Seymour, Pandillas de Nueva York, American Psico) que no sólo hace labores de enfermera en el hospital, sino que también “ayuda” a mujeres con embarazos no deseados, aún en contra de sus votos religiosos pero en favor de una mejor posición de las mujeres y como una forma de lucha contra la pobreza. También encontramos a la enfermera Lucy Elkins (Eve Hewson, más conocida como la hija del cantante Bono, Puente de Espías) que será la cómplice enamorada del Doctor Thack en su adicción a la cocaína, la que se convertirá en el motor de sus obsesiones y que se alimentará de todas las técnicas médicas en desarrollo para ir ganando un espacio cada vez más independiente en su compresión del cuerpo humano femenino.

Con una dirección en la cual resalta la estética del arte y una muy cuidada fotografía, Steven Soderbergh (Sexo, Mentiras y Video, Erin Brockovich, Traffic) hace presencia en su primera experiencia en una serie de televisión, sin olvidar que realizó para HBO la película  Behind the Candelabra acerca de la vida del pianista y “showman” Liberace, pero que constituye el proyecto de más duración que ha emprendido hasta el momento, puesto que se haya en espera de su tercera temporada que se transmite en el Canal MAX de HBO.

JESSICA JONES: La Consolidación de Netflix en el Universo Marvel

Tomando una historia de las menos conocidas del Universo Marvel, entregándole el papel protagónico a las historias alrededor de un hombre que puede tener todo lo que quiera porque puede obligar a los demás a hacer todo lo que él quiere, no encontramos a Jessica Jones, super humano que adquiere sus poderes en un accidente automovilístico en el que pierde a sus padres y a su hermano, pero que gana la habilidad de la super fuerza y la capacidad de dar grandes saltos, casi al nivel de volar.

Atormentada, sumergida en el alcohol y en sus profundos sentimientos de autocompasión, nos encontramos con la Investigadora Privada y única propietaria de Investigaciones Alias, Jessica Jones (Krysten Ritter Apartamento Número 23), quien una vez liberada de los efectos del Killgrave – El Hombre Púrpura- (David Tennant, Doctor Who No. 10, Harry Potter y el Cádiz de Fuego) se ha dedicado a recuperar las partes de su vida en las que influenciada por las ordenes de Killgrave hizo muchas cosas de las que se siente profundamente avergonzada, en especial por el intento por redimirse a sí misma por ser una asesina.

En su cruzada personal, se verá involucrada en investigaciones que la llevarán de nuevo al rastro del hombre púrpura y de la fijación de éste por poseer de nuevo las acciones de Jessica, de poseer su amor, de ser su totalidad.  La gran obsesión de Killgarve por Jessica, lleva a crear alrededor de ella toda una serie de tramas por medio de las cuales pueda dominarla de manera indirecta, crear un ambiente en el que ella no pueda ser controlada pero si manipulada para hacer lo que el hombre púrpura desea. Por medio de flashbacks, la historia nos presentará los hechos por los cuales Jessica no sólo se hizo una superhumana sino también los actos que han llevado a su sentimiento de autocompasión.

Aunque la serie está escrita y producida por Melissa Rosenberg, guionista de la saga de Crepúsculo, nos encontramos con una historia madura, cargada con el auto sufrimiento de la impotencia de situaciones que desbordan los propios poderes – o superpoderes-, con las acciones, que en la inconsciencia propia o de la manipulación de los demás, se realizan. Jessica Jones es la forma en la que nos insertamos en la investigación a la inversa, sabemos los resultados, conocemos la causa, pero seguimos sin poder controlar todos los efectos. 

Es una serie que tiene un buen potencial, pero que se desarrolla muy apresuradamente en especial en sus últimos capítulos. Las actuaciones se encuentran bien logradas y muy convincentes – dentro del universo del cómic-, pero que termina en algo de decepción por el desarrollo atropellado de los acontecimientos y varias historias sueltas que no terminan de causar impacto en la historia. Aún no se anuncia la posibilidad de una segunda temporada. 

Jessica Jones es la segunda serie de una saga de las cuatro historias que Netflix hace junto a Puño de Hierro, Daredevil y Luke Cage. Cada una consta de 13 episodios y se juntan en la miniserie The Defenders, que hace referencia al grupo de superhéroes de Marvel al que pertenecen o pertenecieron éstos héroes en algún momento.