BIG LITTLE LIES Y LA NARRACIÓN ABSORBENTE

Big Little Lies es una miniserie cuya historia se desarrolla a partir de la investigación de un crimen del cual se desvelan los hechos en el desarrollo de cada uno de sus capítulos, sin embargo, el asesinato simplemente se convierte en una excusa para desarrollar otros temas, de hecho, una vez que se ha llegado al final, queda patente que la investigación era lo de menos, e incluso los interrogatorios de los supuestos testigos sólo constituyen elementos que hacen parte de un decorado de chismes y comentarios sociales sin relación real con lo sucedido.

Imagen tomada de: http://revistawelldone.cl

La miniserie es una historia que intenta ser muchas cosas, y algunas que parecía ser, en realidad no lo es, pero sin dudas, es una serie acerca de las mujeres. Mujeres que luchan contra prejuicios, expectativas, tentaciones, violencia, su pasado, entre otras. Mujeres que a pesar de tener un estatus social en el cual parecería estar todo solucionado, en una pequeña sociedad (Monterrey, California) de las más ricas de los Estados Unidos, con escenarios de enormes casas con paredes de cristal junto a la playa, ocultan más de lo que se expone.

La serie basada en la novela de Liane Moriarty, adaptada por David E. Kelley y dirigida en su totalidad por Jean-Marc Vallée, se caracteriza por alcanzar un ritmo propio, la calma. Una calma que tiene prisa, pero que no atropella, pues es una calma aparente, propia de una clase social que se caracteriza por privilegiar las apariencias pero que esconde la turbulencia de la realidad y se sobredimensiona en los comentarios de los que ven desde afuera cada situación.

Esta narrativa genera cierta sensación de voyerismo, en la que las escenas se encuentran muy cuidadas, la ubicación de las cámaras permite ingresar en unas casas ajenas y hacen del espectador un espía de cada acción, lo que atrae y repele al mismo tiempo. Sin embargo, y una vez dentro, entiende la sensación que se pretende transmitir, dónde se puede contemplar el dolor y soledad que éstas mujeres viven en algunos aspectos de sus vidas. Todo acompañado de una banda sonora muy bien seleccionada y que acentúa la narración absorbente.

Big Little Lies reclama la posición de las mujeres en la sociedad, en la vida y, de paso, en las series, porque allí lo importante son ellas como personajes y también como actrices. Nicole Kidman interpreta a Celeste, casada con un hombre menor y quien por forjar una familia abandonó su vida profesional como una prestigiosa abogada restringiéndose a las labores de madre y de esposa, e intervalos como una amiga de sus amigas.  Con ésta interpretación Nicole Kidman muestra su versatilidad con una actuación potente dónde su personaje termina por tomar el centro de la historia, absorbiendo todas las otras tramas, convirtiéndose en el centro.

Reese Whiterspoon cumple un doble papel en ésta miniserie, pues no sólo es una de las actrices protagonistas (interpreta a Madeline), sino que también ejerce su rol como productora, lo cual muestra el compromiso que tuvo la actriz con el proyecto. Madeline es una mujer separada con dos hijos, que encuentra en su segundo matrimonio un nuevo papel para su vida, una nueva manera de amar y un nuevo papel en la pequeña sociedad que representa el pueblo de Monterrey.

 Shailene Woodley interpreta a Jane, una mujer nueva en la ciudad, con un pasado por resolver, con un hijo resultado de ese pasado y que no sólo busca un buen lugar para encajar y criar a su hijo, sino que también busca enfrentar sus temores y lograr comenzar una nueva vida. Es la actuación menos sólida de la miniserie y tiende a disolverse con el paso de los capítulos, pero no deja de ser crucial para la historia.

Actuaciones que se complementan con la tensión generada por Renata el personaje interpretado por Laura Dern, o por la presencia masculina de Perry (Alexander Skarsgård), hace que la historia sea un excelente recomendado para ver y generar una visión acerca de que en todas partes se encuentran grandes historias y grandes secretos.

LAS NUEVE PARTES DE UNA PERSONALIDAD O LA CASA DE PAPEL

La Casa de Papel nos cuenta la historia de un robo a la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre de España,  de un robo presentado como la conclusión de una vida, como el homenaje de un hijo a su padre, de un robo que intenta argumentar que la justicia no solamente se halla en la ley sino que también encuentra en las formas de Justicia comúnmente admitidas, es decir en la forma en la cual justificamos muchas de nuestras acciones a través de la mirada externa, a través de validar nuestras acciones siempre y cuando encuentren en los demás el apoyo necesario para darle valor y sentido.

Imagen tomada de: www.dizimagazin.org

La serie nos presenta a 9 personajes que formarán parte de una sola personalidad, cada uno de las personas que se encuentran en el grupo de asaltantes corresponde a una parte del alma de un solo cuerpo, de un solo sujeto, donde cada parte aporta su particularidad al todo. 

Es así como nos encontramos con la voz en off que acompañará el desarrollo de la historia, la voz de Tokio (Úrsula Corberó) que será el personaje que es pasión pura, un personaje impulsivo, que representa esa forma explosiva que raciona poco y que actúa en caliente, una fuerza arrasadora que lleva consigo el caos y el peligro.

Río (Miguel Herrán) representa el amor, el hombre que representa la ternura, la confianza, la ingenuidad de un hombre joven que se inicia en el mundo del crimen y que encuentra en la atracción por Tokio su más grande motivación para enfrentar el temor de un camino sin retorno, de un camino que le llevará a probar su amor y su firmeza.

Denver (Jaime Méndez) representa la furia, es un joven que se encuentra en el mundo del disfrute, de las peleas, que no ha pensado en su futuro pues vive el día a día pero que un grave problema  con personas del mundo del crimen hace que reconozca sus limitaciones y requiere del apoyo de su veterano padre Moscú (Paco Tous), éste es quien representa el equilibrio, el sentido paternal, el cuidado y la capacidad de escuchar y aconsejar, la paciencia que sólo puede tener quien ha pasado años en la cárcel.

Nairobi (Alba Flores) es la obediencia, es la serenidad de la profesionalidad, se encuentra comprometida con su objetivo y sabe que es la única oportunidad de rescatar la vida romántica que siempre quiso y que no pudo tener, un objetivo que tendrá que ir contrastando con su realidad en cada hora del robo.

Helsinki (Darko Peric) y Oslo (Roberto García) son el par de soldados, silentes y cumplidores, son la fuerza, que apoyan a Berlín (Pedro Alonso) quién es la rabia, el segundo al mando, lleno de ironía y humor negro, el que intenta poner orden y controlar todas las personalidades que fluyen tanto de los secuestradores como de los secuestrados.

Y por último, encontramos a El Profesor (Álvaro Morte) es la representación de la razón, es la parte que ha estructurado, racionalizado y que ha dedicado su vida a pensar en éste robo, en intentar tener bajo control cada acción, cada movimiento para poder realizar un robo que devuelva el equilibrio a unos pocos desafortunados, pero con lo que no cuenta es que la relación con la mediadora policial Raquel Murillo (Itziar Ituño) tome un tinte demasiado personal, a nivel íntimo que termine por empezar a crear la fisuras de un plan perfecto.

Imagen tomada de: cdn3.cnet.com

Con una excelente producción, en la que se puede apreciar la madurez de la industria española, La Casa de Papel hace una apuesta por actores muy poco conocidos fuera de España y que con una historia contada a través de flashbacks envuelve al espectador, lo atrapa y lo hace vivir en “la ratonera” (como denominan los protagonistas al lugar de robo), generando sentimientos de empatía hacia muchos de los personajes, claro que no deja de tener fisuras en su narrativa y en especial en varios capítulos que se pudieron obviar porque no contribuyen en nada al desarrollo de la serie, pero es una serie que se encuentra entre ser definida como una de las clásicas series de acción o al clásico melodrama hispanoamericano que ha alimentado la literatura.

SUBURRA LA SERIE: Tres Perspectivas de una Ciudad Corrupta

“Roma no se gobierna… A lo sumo se administra” Amadeo Cinaglia

Suburra La Serie de Netflix se presenta como una precuela de la novela homónima escrita por Giancarlo De Cataldi y Carlo Bonini, y se inspira en un sonado escándalo político que se desató en la capital italiana. La historia se instala luego de la repentina renuncia del alcalde de la ciudad, éste imprevisto político pone al descubierto las relaciones existentes entre el Vaticano pasando por promotores inmobiliarios y terminando en el Ayuntamiento de la ciudad, donde el crimen organizado y las bandas locales son los árbitros de un juego corrupto de principio a fin, permitiendo hacer visible la delgada línea entre lo legal y lo ilegal.

Imagen tomada de : Netflix

Ese juego entre verdades y apariencias, entre la sagrada imagen pública de la Iglesia Católica y el trasfondo privado de prebendas y corrupción, es la clave de una mirada del crimen que dista del ascetismo áspero con el que miramos al pasado sino que concuerda más con el estruendo de una actualidad caótica.

La historia comienza de manera frenética, con una toma que abandona la basílica de San Pedro para internarse en una orgía con prostitutas y cocaína que culmina con el desplome de un cura entre la euforia y el exceso. Y aunque su inicio no deja de ser confuso, la historia va remontando con el paso de los capítulos dando paso a un final que consigue enhebrar muy bien las diferentes tramas y personajes. Sin embargo, la serie no explota temas que antes no se hayan visto en series como Gomorra o Romanzo Criminale, pues no hace nada más que afirmar que la corrupción es y será siempre uno de los problemas de cualquier país y que en Italia, y particularmente en Roma, hace su presencia como una condición casi natural.

La narrativa se aborda desde la mirada y relación que se va tejiendo entre tres jóvenes muy diferentes; Gabriele "Lele" Marchilli (Eduardo Valdarnini, Pasolini) estudiante de derecho e hijo de un oficial de policía de la ciudad que encuentra en el microtráfico de drogas y la organización de fiestas clandestinas la forma de relacionarse con los círculos del poder velado de la ciudad, pero que del mismo modo representa la caída al infierno de un niño que no está preparado a la oscuridad que soporta las relaciones de la ciudad.  

Aureliano Adami (Alessandro Borghi, Roma Criminale) hijo de uno de los miembros reconocidos de la mafia que maneja la ciudad pero que se encuentra en un momento en que no quiere vivir más bajo la sombra de su padre y se revela contra éste y que encuentra en su hermana Livia (Barbara Chichiarelli) el único apoyo para emprender su negocio y fortalecer su organización criminal, su familia.

Y la tercera perspectiva la aporta Alberto "Daga" Anacleti (Giacomo Ferrara) hermano menor del jefe de la familia de gitanos, personaje que se encuentra envuelto en un secreto – maldición para su cultura, que debe casarse con la hija de la otra gran familia de gitanos de Roma para darle fuerza y poder a su cultura y preparando el posible y constante enfrentamiento por el manejo y sostenimiento de los negocios criminales de partes de la ciudad que cada uno controla.

Suburra La Serie explora la idiosincrasia de la familia mafiosa y sus nuevas generaciones cuyas historias están siempre rodeadas de violencia, muerte y traiciones, y hay que reconocer que la temática mafiosa mezclada con política y religión siempre resulta atractiva y en Italia son expertos en este tipo de ficciones.

SING STREET o De La Promesa de La Juventud

“Cuando no conoces a alguien son más interesantes. Pueden ser lo que sea que quieras que sean. Pero cuando los conoces los limitas”. Connor

Imagen tomada de: 500 Days Of Film

Sing Street (2016) es una historia que se desenvuelve en Dublin de los años 80’s, una ciudad inmersa en una profunda crisis económica donde la falta de trabajo empieza a golpear de manera fuerte a las familias de clase media como a la que pertenece nuestro protagonista Connor (o Cosmo como será su nombre artístico y que es interpretado por Ferdia Walsh-Peelo en su primer papel cinematográfico). Perteneciente a una familia católica que empieza a sentir las adversidades de la falta de trabajo, que con tres hijos debe empezar a generar cambios en su estilo de vida para superar la crisis. Y por estos cambios Connor debe continuar con sus estudios en una nueva escuela, en un marco de formación más estricto y con una presencia constante del catolicismo reinante en la sociedad irlandesa.

En éste nuevo contexto Connor conoce las nuevas condiciones de su vida, un abusador de su  condición de ser el nuevo, un rector que no soporta que no se cumplan las inflexibles normas de la escuela, una familia que se fractura porque sus padres “sólo se casaron sólo para poder tener sexo” como define su hermano mayor Brendan (Jack Reynor) que se encarga de ser el apoyo, mentor, consejero y una especie de guía musical, todo en el horizonte de su adolescencia parece muy nublado sin embargo todo cambia con la aparición de Raphina (Lucy Boynton), una bella chica un año mayor que él, que usualmente se encuentra frente al colegio alimentando su  aspiración de ser modelo. De modo que para asombrarla dice tener un grupo musical, con el apremiante de que no sabe tocar ningún instrumento.

La historia no es una historia de amor, es una historia acerca de la música, de la manera en cómo se escribe la letra de las canciones, la inspiración y la realidad, pero sobre todo es una historia acerca de la promesa de la juventud. Los personajes de ésta película se caracterizan sobre todo porque no son niños, pero tampoco adultos, son la no definición que casi caracteriza a muchas de las actuales generaciones, son personas que se enfrentan a un mundo con problemas reales, como el divorcio pero que no dejan de ver el mundo con ojos de niño, llenos de sueños y aspiraciones. Todo esto se circunscribe a la lucha de un adolecente por determinarse, de lograr un lugar en el mundo y hacer del mundo un lugar acorde con sus sueños pero que al mismo tiempo todo se le opone, la familia y sus expectativas, la escuela y sus normas, la sociedad y sus limitaciones.

John Carney de nuevo muestra su amor a la música, pues sus dos películas previas también tiene a la música como centro de las historias, Once de 2006 (ganadora del Oscar a mejor canción original) y Begin Again 2013 (Protagonizada por Mark Ruffalo y  Keira Knightley), sin embargo Sing Street es la película que tiene mejor estructura narrativa y cuya la historia va llevando al espectador por una realidad que se hace conocida por la banda sonora que se alimenta de los clásicos de la cultura pop, de modo que de la mano de Duran Duran, The Cure, Motorhead, Tha Clash, entre otros, intenta llegar con una historia muy local, y casi autobiográfica, al público en general.

HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE y El Ritmo del Cine Bélico

Imagen tomada de: https://religionconfidencial.com

Hasta el Último Hombre (Hacksaw Ridge, 2016) es una película que entra en la categoría de biopic, se inscribe como un homenaje y admiración por Desmond Doss, representado por el actor Andrew Garfield (Spiderman: La Amenaza de Electro),  un ser humano sencillo, un hombre común envuelto en los ecos que en un pueblo pequeño deja la segunda guerra mundial, donde se ve como los hombres son llamados a defender su país, dónde los jóvenes  se enfrentan a la obligación del llamado al servicio militar por el sentimiento patriótico y donde el recuerdo inmediato de la primera ha dejado marcas imborrables en las familias de los hombres que la padecieron, y es que en las horas más oscuras de la humanidad es dónde se reconoce el valor de algunos seres humanos, y ese es el caso de Desmond Doss cuyo mérito fue salvar decenas de vidas siendo objetor de conciencia, es decir, negándose a portar y a realizar el uso de las armas durante su participación en la guerra.

La historia realiza una aproximación la vida de Desmond pasando rápidamente por su infancia, adolescencia, enamoramiento juvenil, así como del pasado oscuro y problemático que vivió la Familia Doss a causa de un padre alcohólico hundido por recuerdos de las pérdidas de sus más cercanos amigos por su participación en la Primera Guerra Mundial, sin embargo, éstos momentos son escogido de manera particular para hacer mucho hincapié en elaborar las motivaciones del personaje y en particular en resaltar la construcción de su conciencia religiosa y sus convicciones como objetor de conciencia en el porte y en ayudar como médico en el campo de batalla.

Ésta película representa el regreso de Mel Gibson a la dirección después de sus múltiples problemas y escándalos personales que ha afectado su vida profesional, de modo que pone mucho en juego al recrear ésta historia. La narrativa lograda consigue que la historia mantenga la atención del espectador, creando el clima emocional necesario para que el tramo final impacte de lleno. Y es en éste sentido que el director trata de mostrar los detalles de cómo Doss llegó a ser quién fue, es por tal elección narrativa que la película adquiere dos ritmos diferentes, lo cual genera cierta sensación de lentitud en un inicio, dónde busca las motivaciones personales del protagonista, pero que va escalando en intensidad, sobre todo en el segundo tramo donde la historia se transforma en un bloque brutal de cine bélico, representando los enfrentamientos bélicos con gran realismo y seriedad.

Es en la narrativa puramente bélica donde la violencia hace acto de presencia de una forma brutal y realista, pues logra transmitir la confusión de la batalla, todo esto sin que el espectador nunca llegue a sentirse extraviado de la acción y donde se realza el sinsentido de la guerra al mismo tiempo que eleva su fuerza emocional para que la histórica heroicidad de Doss consiga un efecto en el espectador, todo sin que sus motivaciones de corte religioso logren limitar al personaje.

ONE PUNCH MAN, La Creación de Un Personaje Simple

Imagen tomada de: https://pbs.twimg.c

Esta particular historia se centra en un joven llamado Saitama, un personaje que en todo sentido se puede catalogar como un “Hombre Común” y es que desde su presencia algo cómica, su expresión casi siempre neutra, su cabeza calva y su poco impresionante físico[1] hace que sea un ser poco trascendente, sin embargo, este aspecto promedio esconde a un joven que posee un enorme poder.

¿Qué sucede cuando se es el ser más poderoso del planeta y nada para ti es un reto? El eterno aburrimiento, y es que la vida de Saitama se torna aburrida y sin expectativas en el horizonte, más vivir cada uno de sus días de la forma más simple y cotidiana posible, pero cuando la normalidad de su vida y de ciudad se ven afectada por una amenaza, él lo resuelve con un solo golpe.

Lo que más sorprende en One Punch Man es la construcción del personaje de Saitama, pues son pocas las veces que se logra hacer que un protagonista llegue a simpatizar tan fácilmente con el espectador, ya que la construcción del personaje principal escapa un poco de los típicos estereotipos de “personas lindas haciendo cosas lindas” y apuesta por un hombre sencillo con ideas sencillas, que busca complicarse lo menos posible de tal manera que no quiere escuchar historias épicas o grandes tragedias personales que motiven la acción heroica sino que basa su narrativa a: “di lo que quieres en 20 palabras o menos”, siendo más efectista que un tuit.

Y pese a todo lo anterior aún se logra un personaje que no es arrogante, en dónde la simpleza de su vida y apariencia también se trasladan de forma natural a su personalidad, superando la clásica admiración por el superhéroe por una figura simple. Así, Saitama no es un personaje orgulloso en lo absoluto, y no presume de sus habilidades ni humilla a sus adversarios, incluso llega a mesurar su poder cuando reconoce que hay algo que rescatar de sus oponentes.

La historia del manga One Punch Man es bastante distinta y especial porque todo empezó con una apuesta del artista que se autodenomina como ONE y su intento por realizar un webcomic humilde, bastante mal dibujado y sin mayor pretensión que la de contar una historia, pero poco a poco fue ganando adeptos, hasta que un día el autor fue contactado por una editorial para serializarlo en manga y con esto se hizo increíblemente popular, de tal modo que recibe la propuesta para llevarlo al animé.

El creador se aseguró de mantener la autonomía de la historia al pasar a la serialización del manga dejando el dibujo de las viñetas a los pinceles a Yusuke Murata elevando la calidad visual de la narrativa, de tal manera que algunos capítulos presentan las batallas con una gran cantidad de detalle y un movimiento en las viñetas que logran impresionar, siendo éste un rasgo diferencial respecto al animé. Y es que el estilo de este manga es muy particular puesto que alterna el dibujo vago de cómic de humor con el dibujo realista de cómic de acción y ésta misma característica se puede notar en algunos pocos pasajes en el animé.

Evolución del Webcomic hasta el Animé.
Imagen tomada de: https://i.imgur.com/nozquye.jpg

La simplicidad de la historia de One Punch Man, y el éxito de la misma, tal vez se encuentra en no alargar las batallas sin quitar lo épico de las mismas, así cada capítulo ofrece espectaculares escenas de acción con una excelente animación y acompañados de una muy adecuada banda sonora, todo gracias al estudio de animación MadHouse. Un recomendado de una muy corta duración (12 capítulos) que no tienen un inicio particular, ni tampoco nos ofrece un final determinado, pero si mucha diversión y unos personajes muy particulares para descubrir, desde Genos el autodenominado aprendiz hasta el héroe conocido como Ciclista sin Licencia.

---

[1] Para los habitantes de las redes sociales la figura de Saitama será muy conocida porque hizo parte del meme “yo te dije que …”

DEATH NOTE, Un Animé para Ver

Imagen tomada de: wiki death note

El deseo más profundo de cada hombre consiste en cambiar el mundo, en moldearlo conforme a sus ideas y poder hacerlo un lugar mejor (según las perspectivas de cada cual), sin embargo, esas mismas aspiraciones han sido los grandes motores de los horrores que le hombre ha producido durante su propia historia, porque simplemente hemos vivido en una realidad en que la eliminación del otro es la victoria de las ideas. Pero qué pasaría si se pudiese tener el poder de decidir a quién castigar con la muerte, ¿reconoceríamos el poder de actuar más allá de las venganzas personales y emprender una tarea de cambiar el mundo?, ésta es la premisa con la que trabaja Death Note.

Ryuk es un dios de la muerte (Shinigami) que se encuentra aburrido porque el mundo de los Shinigami es repetitivo y sin emoción y cuyo único propósito es escribir nombres en su Death Note, cuaderno con el cual cada persona que tiene su nombre allí morirá ya sea porque se especifica la causa de la muerte o por un ataque al corazón en caso contrario. De manera que para mitigar su aburrimiento y poder algo de emoción a su existencia, deja caer un Death Note que ha robado al mundo humano.

Light Yagami es un estudiante brillante y sobresaliente de Japón, que un día encuentra el Death Note. Light usará la Death Note para deshacerse de todos los criminales del mundo y así limpiarlo de la maldad que azota la humanidad, todo con el fin de hacer un mundo mejor en el que se le considere un dios por hacer un lugar mejor.

Pero la muerte repentina de tantos criminales, llama la atención de la policía japonesa y luego del FBI, pero al entender que la situación supera sus esfuerzos, deciden contratar al famoso detective L para que investigue y detenga al asesino, que la gente denomina como Kira (Light). Así comienza el increíble juego entre dos mentes brillantes, en una historia que tiende a orientarse al suspenso psicológico, pero que no tarda en convertirse en una historia policial de notable inteligencia, que representa el juego de ingenio entre un policía y un ladrón pero que tendrá unas consecuencias mortales.

En ésta historia lo mejor lo constituyen los personajes, que se hacen inolvidables, por su excelente construcción y porque generan los cuestionamientos internos que hacen que el espectador tome partido por uno de los dos bandos que se presentan. Ryuk, constituye el inicio y fin de la serie, pero de la misma forma representa los momentos divertidos y comentarios sarcásticos de la historia; Light, un personaje con el que el espectador luchará por no identificarse, por comprender sus motivaciones y que se encuentra destinado a la apoteosis y L es un personaje entrañable, obstinado, inteligente y comprometido con lograr sus objetivos, se nos presenta como un ser extraño y alejado del mundo pero que se integra a la historia con el fin de restaurar el orden.

Con 37 capítulos, algunos de los cuales sobran porque termina desviando la historia y alargando de manera innecesaria el desarrollo de la trama principal, Death Note constituye una de las mejores historias del animé, pues es capaz de trascender al espectador, de involucrarlo en la narrativa compleja y que intenta encontrar los límites de los razonamientos deseando develar el clímax de cada capítulo, una serie para ver.