El gran problema con las
biografías de personajes muy conocidos en la historia se encuentra en que se le
quiere dar un sentido de épica a sus acciones, lo cual para un personaje aún
vivo genera cierta aprehensión al espectador.
Imagen tomada de: https://unlibroparaestanoche.files.wordpress.com/2015/02/la-teoria-del-tod-poster.jpg
Sin embargo, la historia del
Todo se aleja de éste sentido, no intenta mostrar el combate de la enfermedad
que Steven Hawking (interpretado por Eddie Redmayne, Los miserables) ha sufrido
y aun así ha llegado a desarrollar las teorías del universo que lo han hecho
conocido alrededor del mundo. Ésta es la historia vista desde la perspectiva de
su primera esposa Jane Wilde(Felicity Jones, The Amazing Spider-Man
2), quién de manera muy arriesgada asume el cuidado amoroso y agotamiento
físico y mental de una persona que sufrirá en un muy corto periodo de tiempo de
la movilidad de todo el cuerpo generado por una enfermedad motoneural relacionada con la esclerosis lateral amiotrófica (ELA), que hasta el momento sigue siendo una enfermedad degenerativa incurable.
Así que es una historia que
se encuentra entre los sucesos, la escritura del libro La Breve Historia del
Tiempo y el amor que nace y se desarrolla entre dos personas. Personas con creencias opuestas, puesto que mientras la crianza
firmemente anglicana de Jane se contrapone al análisis del mundo desde la
física y en especial desde la matemática, espacios desde los cuales intenta desarrollar el Señor Hawking la comprensión del universo, éste contexto presupone la contraposición de los dos puntos de
vista entre los protagonistas. Más sin embargo no se presenta de manera notable en la película, es un subtexto que sólo muestra su luz en la aceptación del Señor Hawking en su libro, de que existe la posibilidad de un ser superior que ha podido crear todo.
Siendo la adaptación del Libro "Travelling to Infinity: My Life With Stepen" , el peso de la narrativa se encuentra en la actuación de Felicity
Jones, y en especial en el debate que existe entre la fortaleza de una mujer que por amor a su familia y la
piedad inculcada por su formación anglicana, se contrapone a la mujer que siente una profunda admiración y que intenta facilitar la vida a una mente brillante, mientras se consume en la vida de otro, en un sacrificio que no ve ni valora nadie.
Basada en la novela homónima
de Gillian Flynn en el 2012, nos aproxima a la historia de la celebración del
quinto aniversario del matrimonio de Nick Dunne (Ben Affleck) y Amy Elliot
Dunne (Rosamund Pike) y particularmente la misteriosa desaparición de ésta
última en un confuso evento que altera la rutina diaria del matrimonio. El
director David Fincher (Seven, El club de la pelea, Red Social, Trilogía
Millenium) genera una historia
circular, que por medio de un constante
uso de los Flashbacks establece el carácter de los personajes, las motivaciones
y los eventos (y retorno) que alimentan el día del aniversario y los sucesos
siguientes.
La historia juega con la
narrativa, y con ella con nuestros prejuicios de los
personajes, la idea del matrimonio, de la familia y las motivaciones que
conllevan a la desaparición, todo desde la reflexión inicial que hace Nick
mientras su esposa reposa en su pecho ambos tumbados en la cama: “¿qué nos
hemos hecho a través de los años?”.
En el desarrollo de un
thriller lo que marca la diferencia es la capacidad de envolver al espectador,
Perdida a través de las actuaciones nos convence de la historia, los flashbacks
nos arrastran a seguir el ritmo y a empezar a jugar al detective, seguir los
rastros y sacar las conclusiones.
Sin tener un ritmo
frenético, envuelve al espectador en la ansiedad, planta la duda y espera
emocionar.
En la historia del cine
latinoaméricano, el cine venezolano ha ocupado un papel central, no sólo por el
hecho de que en Venezuela el cine hizo presencia casi de inmediato con la
exhibición en la ciudad de Maracaibo las escenas fílmicas tituladas Célebre Especialista Sacando Muelas en el
Gran Hotel Europa y Muchachos
Bañándose en la Laguna de Maracaibo apenas un año después de que los Lumière
empezasen las suyas en Europa, sino también por el hecho de que en los años cincuenta
con la películas La Balandra Isabel Llegó
Ésta Tarde de Carlos Hugo Christensen, y el documental Araya de Margot Benacerraf, ganan en el festival de Cannes, primera
el premio a mejor fotografía y el segundo el premio de la crítica a mejor
documental, ponen al cine de Venezuela en la élite del cinematografía
latinoamericana.
Con éstas últimas películas, se
marca una época que se extiende hasta los años sesenta y que se denominó como
el “nuevo cine Venezolano”, nombre que tomó casi todo el cine que presentaba
una gran carga de pensamiento social y que encontraba en movimientos como el “Free
Cinema”[1]
británico, el “Cinema Novo” brasileño y en las fuertes influencias del
denominado “Nuevo Hollywood”[2],
pero con mayor presencia de la “Nueva Ola”[3]
a partir de la publicación de Cahiers Du Cinema.
Con éstas buenas bases y con el
apoyo generado por parte del Estado, gracias a la bonanza del petróleo, se fue
fortaleciendo la industria cinematográfica venezolana, lo que permitió que se
pudieran financiar películas en la década del setenta y que ofrecieron buenas
historias como Cuando Quiero Llorar No Lloro
(1976), de Mauricio Wallerstein; Soy Un Delincuente
de Clemente de la Cerda, Se Solicita
Muchacha de Buena Presencia y Motorizado con Moto Propia (1977) de Alfredo
Anzola, El Pez que Fuma de Román
Chalbaud, o País Portátil (1979) de
Iván Feo. Historias que se forjaban desde lo cotidiano, forjándose desde la
marginalidad generada por la opulencia del país pero que contrastaba con la
exclusión social, y que en esa violencia generada por la lucha por la
supervivencia encontraba la riqueza de la narrativa que se hacía cada vez más
extensiva, que cada vez se hacía más latinoamericana.
Ese tipo de cine fue perdiendo
presencia en el ámbito internacional, no sólo por las crisis del petróleo de
los años ochenta, o por las políticas públicas de los diferentes Gobiernos en
Venezuela, sino porque el hacer cine se hizo cada vez más exclusivo, se generó
un retroceso en los apoyos gubernamentales a las expresiones artísticas, lo que
devino en la casi desaparición del cine venezolano, que al igual que en la
mayoría de los países del continente, se consumió en las producciones Hollywoodenses
que inundaron las salas.
Sólo hasta los últimos diez años el cine venezolano ha empezado a recuperarse.
Los nuevos apoyos generados a la
industria cinematográfica han generado la posibilidad de volver a explorar el
país desde las nuevas realidades. Es en éste nuevo marco que se presenta a
película Pelo Malo de Mariana Rondón, una historia sencilla pero llena de
elementos de reflexión que denotan una gran necesidad de plantear los problemas
sociales.
Junior (Samuel Lange Zambrano) es
un niño que tiene el pelo afro, o más conocido como pelo malo, y que para la
foto del colegio sueña con tener el pelo liso, pues sólo quién tiene el pelo
liso puede ser cantante, ser exitoso. Con una actuación muy natural se nos
presenta la vida de éste niño que se encuentra en una familia desintegrada por
la muerte del padre, una muerte en carnaval, una muerte por la intolerancia
porque estaba vestido de mujer. La viuda (Samantha Castillo) se encarga de
Junior y su hermano trabajando como vigilante, pero es despedida por una
investigación por robo, por ésta razón su suegra (Nelly Ramos) y abuela de
Junior, pues no reconoce al segundo hijo como su nieto, propone quedarse con el
niño para aligerar su carga.
En ésta tragedia se encuentra un
niño con una ilusión, con un sueño desfigurado por las imágenes comerciales, que
conlleva a la negación de su cuerpo por el anhelo de ser reconocido, por ser
diferente. Ese anhelo es mal entendido por la madre, pues empieza a creer que
el niño querer tener el pelo liso porque es homosexual, y que esto deviene
porque tiene una vértebra más en la columna o por la ausencia de una figura
paterna.
La mirada escrutadora que Junior
posa sobre las demás personas, tiene la
capacidad de incomodarlos y sacar del interior de cada uno sus mayores temores,
lo cual genera que su presencia sea incomoda y poco deseada. Así mismo, el
sentimiento de soledad y de ensimismamiento genera que Junior tenga
comportamientos incomprensibles para los demás, o tal vez los prejuicios que
los demás se manifiestan en la imagen de Junior cargando con desaprobación cada
una de las acciones que el niño realiza.
Pelo malo es un cine que en
Latinoamérica se torna incómodo, cercano y muy parecido a la realidad que nos
circunda y que nos desborda. Éste es un buen retorno para el cine venezolano,
acorde a su historia y lugar en la cinematografía mundial.
[1]
Representado por los trabajos de Lindsay Anderson, Tony Richardson, Jack
Clayton, entre otros.
[2] Representado
por figuras como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman y Woody Allen,
entre otros.
[3]
Representado por las películas de François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques
Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean
Pierre Melville.
Vencido por las circunstancias, que desbordan sus posibilidades de sus esfuerzos deportivos, se encuentra Mark. Un hombre solitario, básico, que no se caracteriza por ser una persona lúcida, que vive el día entre los entrenamientos y el rememorar sus logros deportivos, mientras vive de una manera precaria, que encuentra en la sombra de su hermano Dave las cosas que anhela, una familia, un gimnasio, el conocimiento del deporte, el liderazgo y el carisma para ser seguido y admirado, rivalidad que se tensa en cada encuentro físico y verbal entre los dos personajes.
Imagen tomada de: http://reporteinformativo.mx
Con una actuación bien lograda por parte de Channing Tatum, en la interpretación de Mark Schultz, nos intenta acercar a la versión de la historia en la cual el Señor John Du Pont quiere hacer parte de la historia deportiva americana patrocinando y entrenando el equipo de lucha grecorromana de los Estados Unidos. John Du Pont (Steve Carrell) es un hombre con una gran fortuna, pero aún bajo la tutela de su madre y en el anonimato de un gran y prestigioso apellido, que quiere ser el patriota, el padre que genere orgullo con los logros, que a través de sus apoyos pueden darle un lugar especial al país en el mundo.
La naciente relación entre el deportista y el mentor, es una relación vacía, donde el mentor que no tiene nada que ofrecer, sólo un gran ego en el que cree ser un filántropo conocedor de todos los temas de mundo y de la vida, que puede sólo él puede guiar hacia el éxito a todo aquel que lo rodea, que considera que es un modelo a seguir para cualquier persona en cualquier generación, y que ha logrado deslumbrar a su protegido, por medio de los lujos, de su historia familiar y en especial de su posición social, generando un redireccionamiento de la figura paterna que antes ejercía sobre Mark, su hermano Dave (Mark Ruffalo), y que se centrará en la figura de Du Pont.
La admiración y figuración que tiene Dave en la vida de Mark, es el anhelo de John Du Pont. Para John es la posibilidad de tener una persona que quiere seguir sus pasos, de ser inspiración, no por el dinero sino que lo valore como ser humano, como un héroe, como “el águila dorada”. El reconocimiento que John anhela se haya en la superación de los logros que en exhibición de caballos ha logrado su madre, es su objetivo inmediato, y sólo a través del ganar una medalla de oro en los olímpicos por parte de Mark, encontrará sosiego.
Foxcatcher es una historia que puede parecer lenta, pero que se interna en lo profundo de la personalidad de Mark, en su lucha interna por sobresalir, por encontrase y salir de las sombras, de superar los logros de su hermano y el reconocimiento de su auspiciante. Ésta es la historia de la frustración del protagonista por no lograr ser un líder, por no poder superarse, de no lograr encontrar su propio rumbo y sus decisiones, de sentirse siempre atrapado por las circunstancias de sus decisiones, del deporte y de la vida.
Daredevil es una serie en la que Marvel sigue apostando por su fórmula de dar
posibilidades a sus héroes de segunda línea (hay que esperar la taquilla y
recibimiento para El Hombre Hormiga),
con historias mucho más ajustadas al
concepto de adaptación de sus comics. Aún el espectador que no tiene contacto
con el Universo Marvel, encontrará una muy buena historia, con una excelente
narrativa y que se aleja del concepto regular del superhéroe. La serie trata al
personaje desde la óptica de la investigación, desde la influencia de las
novelas negras, y también desde las reinterpretaciones que Frank Miller realizó
al personaje.
Imagen tomada de: es.ign.com
La Historia de la serie se sumerge en la investigación de los
hechos que van sucediendo en Hell’s Kitchen (la cocina del infierno), un barrio
de la Ciudad de Nueva York que sufrió la destrucción de la lucha de los
Vengadores contra Loki y su intento de
ayudar a una invasión alienígena[1].
Un barrio que va surgiendo y reconstruyéndose con base en la expulsión de los
propietarios de los edificios y en
especial de los humildes inquilinos de la zona, todo va tomando forma de “mano
oscura” que organiza los eventos para que se desarrolle un plan más grande.
Hasta el momento ninguna de las series producidas por Marvel
se había centrado en el realismo como característica principal. La
interpretación de Charlie Cox como Matt Murdock/Daredevil es convincente, le
entrega un carácter muy humano y dual a un personaje que no se caracteriza por
ser plano, que como descendiente de irlandeses sufre internamente con los
mandatos del cristianismo con el sentido práctico de ser un abogado y el de
héroe que hace justicia por su cuenta, elemento que los escritores de la serie
han sabido sacar provecho y que la fuerza de las actuaciones son muestra de éste esfuerzo.
En ese mismo sentido, es notable la actuación de Vincent D’Onofrio como Wilson
Fisk, desde su caracterización física hasta la estructura de ir develando
partes y no terminar de entregar la totalidad de su personalidad, denotan un esfuerzo
por darle solidez a la historia.
Imagen tomada de: animalpolitico.com
En Daredevil, vemos a un héroe oscuro, que se nutre de la
novela negra y de todos sus rasgos característicos; el sufrimiento personal, la
femme fatal, los rasgos de ilegalidad que persisten para poder atrapar al maleante,
así en Daredevil la justicia es ciega y violenta.
Una vez Disney ha hecho la compra
de Marvel, ha hecho un plan de largo plazo para sacar todo el provecho posible a
esta fusión. En este sentido se nos presenta la película Big Hero 6 (Grande
Héroes) basada en el comic homónimo, sin embrago y aunque los
personajes son los mismos, el desarrollo de la historia contará con grandes
diferencias.
El comic Big Hero 6 que primero
aparecieron en forma de miniserie como Sunfire y Big Hero 6, pero que ya habían
hecho presencia en Alpha Fight # 2, es un intento de Marvel por captar una
buena parte del mercado generado por el interés creciente en el manga en los
Estados Unidos y que cuenta con una historia un poco más madura que el de la
película recientemente lanzada.
En el comic Big Hero 6 el
gobierno japonés decide crear un grupo élite especializado en lidiar con los problemas
con meta humanos, para lo cual no teme entregar el liderato del mencionado grupo
al Samurai de Plata, ronin (samurái sin
amo) y ocasional guardaespaldas de la terrorista conocida como Viper, acompañado
por el agente Honey Lemon inventor de una nanotecnología que le permite
fusionarse con cualquier tecnología, y el mutante y ex convicto Gogo Tomago,
quien tiene la capacidad de transformar su cuerpo en una explosión de energía,
quienes se encuentran monitoreados por el burócrata Mr. Oshima, quien escoge y
representa los intereses del grupo. En este sentido, el gobierno localiza a un
niño genio llamado Hiro Takachiho de 13
años, que ha construido un robot capaz de convertirse en un dragón y que se
conoce como Baymax, así mismo contará con el apoyo de Sunfire el mutante ex
miembro de los X- men y que vive en Tokio.
En la película Big Hero 6 todo se
desarrolla en San Fransokio (San Francisco mesclado con Tokio) y nos narra la
historia de Hiro Hamada un joven genio que se dedica a meterse en problemas y
hacer dinero en peleas robóticas, que junto con su hermano Tadashi han quedado
bajo tutela de una tía tras la muerte de sus padres. Tadashi quien trabaja en
un grupo especial dedicado al desarrollo de la robótica en la Universidad de la
ciudad, intenta motivar a su hermano para que se inscriba en la Universidad y
aproveche su talento al máximo, es así como muestra a su hermano su logro más
importante el robot asistente médico Baymax.
Con esta diferencia general en
las historias, Disney intenta sacar el mayor provecho de la historia y en manos
de pixar se lanza al ataque por un mercado un poco más próximo al mundo de las aventuras
con un tono más ligth. La historia es muy simple, e intenta encontraren el evento
fundacional de los héroes, la muerte de un ser querido, la motivación para que
nuestro pequeño héroe encuentre la fuerza interior para combatir los peligros
que acechan a San Fransokio más allá de la venganza, y aprovechando la amistad
como motor para encontrar el rumbo o destino de sus habilidades.
Una historia para ver, no se
encontrará dentro de las grandes historias de Disney - Pixar (Toy Story, Los
Increíbles), sin embrago es el primer asomo cinematográfico animado de Disney
por explorar (yexplotar) el Universo Marvel.
Million Dollar Arm (o Un
Golpe de Talento como la denominaron en español) es una biografía del
intento de JB Bernstein por rescatar, en el último suspiro y con una idea poco convencional,
su empresa de representación de deportistas de la quiebra absoluta.
La película es demasiado “Disney”,
y en otro momento podría ser una de esas películas para rememorar, sin embargo
sólo es una buena historia que se encuentra mal narrada, a través de una vieja
y repetida fórmula, que por ser tratada de manera demasiado comercial no logra
calar de manera profunda en el espectador, pues es sólo un simple espectáculo
de aquella idea del éxito que nos quieren representar de manera excesiva como
ideal.
Para aquellos que seguimos
la serie Mad Men, la actuación de Jon Hamm interpretando a JB Bernstein se hace
repetitiva y sin ninguna profundidad, sigue un único plano que no supera la banalidad,
y los asomos de humanidad sólo llegan después de los consejos de la conciencia
externa que desarrollará la doctora e inquilina Brenda (interpretada por la
actriz Lake Bell).
En un momento de
desesperación, JB tiene la idea de realizar un reality que promueva el
descubrimiento de un lanzador estrella para la Liga Profesional de Béisbol que
salve el único logro de su vida, su empresa. En su viaje por India a través del
cricket, descubrirá que lleva una vida solitaria llena de elementos materiales pero
que le hace falta el amor, y que sólo en la pobreza y sencillez de las personas
y situaciones con las que interactuará en la India iniciará un recorrido de
reconocimiento interior.
Si bien la historia
representa en gran parte el choque cultural de dos personajes extraídos de la
profundidad de la India e insertados en una vida de lujos y banalidades que le
ofrece Los Ángeles en Estados Unidos, no permite que los actores Suraj Sharma,
quien interpreta a Rinku, (protagonista de Life of Pi de Ang Lee) y Madhur
Mittal, quien fue seleccionado para interpretar a Dinesh, (protagonista de Slumdog
Millionaire), tomen parte de la historia, sino que simplemente sean una sombra
al lado del drama central.
En resumen, es una película
para pasar el rato, no posee grandes características, ni será algo más allá de
un intento de éxito de taquilla. Esta vez Disney no pudo dar con la tecla
necesaria para poder generar los recuerdos que intentan plantar en nuestras
vidas.
